Совсем недавно в Казани прошел международный фестиваль медиаискусства «НУР». В рамках события было представлено множество инсталляций на более, чем 10 локациях по всему городу. «НУР» — возможность раз в год окунуться в мир медиаискусства и поближе познакомиться с художниками из разных уголков мира. Анастасия Слабиняк — один из деятелей искусства, которая представила в этом году свою инсталляцию STORM совместно с Тинькофф.

Редакция Enter поговорила с Анастасией Слабиняк и теперь рассказывает, что можно отнести к медиаискусству, а что — нельзя, в чем замысел инсталляции STORM и какую роль в реализации проекта сыграла коллаборация.

Понятие «медиаискусство» относительно молодое. Но все же, когда в искусстве впервые начали использовать высокие технологии?

Медиаискусство всегда шло в ногу с технологическим развитием и трансформировалось с появлением новых медиумов. Историю медиаарта отсчитывают с начала 1960-х и экспериментов группы Флюксус, куда входил Нам Джун Пайк — пионер видеоарта, разрушивший привычную концепцию телевидения, превратив экраны в медиаскульптуры.

Художники искали нестандартное применение появляющимся технологиям, и часто создание произведений мультимедиа арта начинается не с концепции и высказывания, а с исследования и комбинирования знаний из области инженерии, программирования, архитектуры, биологии, музыки и других смежных сфер.

Что же можно отнести к цифровому искусству, а что — нельзя?

К цифровому искусству мы относим работы, где цифровые технологии выступают не как инструмент в создании продукта (как в фотографии), а как медиум, то есть работа создается, хранится и распространяется исключительно в цифровом формате, и художественный процесс также происходит в рамках этой среды.

Расскажите, как родилась идея создать инсталляцию STORM для фестиваля «НУР»?

Меня всегда вдохновляли чистые технические решения. Как будто, чем проще и уникальнее сетап, тем большего эмоционального отклика можно добиться.

Это самая сложная задача, которую можно себе поставить в мультимедиа, так как вся индустрия работает в рамках существующих технологий и комбинирует их в поиске новых решений. Добиться вау-эффекта, соединив множество разных приемов, — просто. Но найти какую-то одну вещь, которая будет работать, и которую не использовали ранее — уже не самый простой путь. Для меня это самая интересная часть процесса — поиск нестандартных решений в том, что у нас есть, исследование смежных сфер и интеграция этого в мультимедиа.

В этом минимализме я очень восхищаюсь NONOTAK — тем, как гениально они простыми средствами работают с пространством, то, какую драматургию выстраивают звуком, как нестандартно подходят к материалам. STORM, как и большинство моих концепций, начался не из идеи, а из технологии. И хотя в процессе сетап почти полностью изменился, так как первоначальная версия не прошла тесты, технология переотражений лазера, проходящего через клубы дыма в капсуле, и идея шторма соединились в единое целое.

Медиаинсталляции довольно своеобразны. Если мы условно понимаем, как оценивать классические картины, то как правильно оценивать цифровое искусство (качественно и материально)?

Думаю, к оценке цифрового искусства надо подходить с точки зрения задачи. Коммерческий сегмент индустрии преследует одни цели — тут присутствует специфика работы с заказчиком, правильной коммуникации, продакшена в крупных командах. Первичная задача в коммерции — закрыть запрос клиента. Если это удалось, а работа выполнена так, что довольны и сами художники — проект удался.

Артовый сегмент — про высказывание, он работает в другом темпе и с другой аудиторией. Здесь есть место поискам и экспериментам, и ответственность за проект только перед самим собой. Это тоже высокая планка, но иная. Так что для меня успешный проект в арте, это открытие — техническое или концептуальное.

Действительно уникальные работы появляются, когда художник взаимодействует одновременно с двумя этими сторонами и создает, например, работу в коллаборации с брендом. Так, инсталляция TOKUJIN YOSHIOKA × LG : S.F_Senses of the Future — тот случай, когда коммерция — настоящее искусство.

В чем основной замысел инсталляции и какие инструменты были использованы при его создании?

STORM — инсталляция о соприкосновении стихии и цивилизации. Оказаться посреди поля во время грозы и наблюдать за штормом вплотную — одно из самых мощных для человека переживаний, которое пробуждает из глубины души первобытный, животный страх перед неконтролируемым и неизбежным, но в то же время — восторг от красоты, силы и свободы.

Инсталляция построена на контрастах — она капсулизирует шторм как метафору опасности и мощи, а после проникает в помещение — место, призванное уберечь человека от любой угрозы. Находясь в инсталляции, мы можем прикоснуться к границе стихии и цивилизации, ощутить как пространство наполняется напряжением грозы.

Форма инсталляции стала экспериментом и с инженерной точки зрения. Задача состояла в том, чтобы создать модульную конструкцию из стеклянных колб, внутри каждой из которых дым, ветер и лазерные лучи создавали бы иллюзию шторма. Вместе с командой Formate мы прорабатывали разные варианты компоновки оборудования и пришли к конструкции, где лазерный проектор и дым-машина маскируются в нижнем основании каждого из модулей, а дым с лучами попадают в стеклянную часть колбы через отверстия. Расщепляясь, лазерный луч переотражается от зеркальных стенок колонны, проходит через клубы дыма, подсвечивая его, создавая непредсказуемые световые потоки, схожие с визуализацией грозы.

Наличие автономных модулей дает пространство для трансформации инсталляции. В зависимости от расстановки мы можем достигать абсолютно разных визуальных эффектов — лезвием рассекать пространство помещения ритмичной линией (на Intervals 2024) или погружение посетителя внутрь штормового полукольца, создав световую молнию прямо над ним (как сейчас на «НУРе»), а можно попробовать множество других вариантов.

s — lab x Тинькофф. Storm, фотограф: Марат Салихов

s — lab x Тинькофф. Storm, фотограф: Марат Салихов

Знаем, что инсталляции создавали вместе с Тинькофф. Расскажите, как проходила ваша коллаборация?

Партнерство с Тинькофф дало возможность не только воплотить идею, но и увидеть, насколько органичным может быть взаимодействие художника с брендом. Чаще всего партнерство означает интеграцию в презентацию арт-объекта рекламных носителей, что просто себе представить в работе с контентом.

Здесь же отсутствие фигуративности и необходимость сохранить чистоту идеи не позволяло этого сделать, так что команда предоставила нам свободу действий, создав безопасное пространство для развития концепции, не стараясь интегрировать в нее коммерцию.Тинькофф экспериментировали вместе с нами, используя нестандартные форматы и высокие технологии, чтобы реализовать уникальную концепцию инсталляции.

Какие эмоции должна была вызвать инсталляция у зрителей, какую цель преследовали при создании?

Посыл вызвать у посетителя сложную контрастную эмоцию — очень увлекательная и нетривиальная задача. Мы работали над ней и старались использовать простые инструменты — лазерную проекцию, звук. Важно было сохранить чистую форму и позволить посетителю самому анализировать свои ощущения, оставляя пространство для интерпретации.

Цикл инсталляции не только воспроизводит драматургию природного явления, но и с помощью саунда и визуальных эффектов привносит туда человеческие эмоции. Мы слышим нагнетающееся ожидание, моменты глухой тишины перед разрывом молний; кульминацию, когда в страхе и восторге сливаешься с мощью стихии; радость, но сожаление от близкого окончания; и то, как биение сердца возвращает тебя в реальность, замедляется и дарит покой.

Работа стала настоящим экспериментом с пространством, светом, эмоциями, сторителлингом, и в результате она сложилась в визуальную метафору, открывающую в душе каждого из нас что-то потаенное и неосязаемое.

Текст: Редакция Enter
Изображение: Марина Никулина